尊严的声音,今年的奥斯卡的视点留给了电影圈

       还记得看《天堂电影院》的时候,好喜欢多多,他对电影着了迷,忘了被丢出电影院多少回他还是一次次溜进电影院。和人们对着黑白晃动的屏幕嬉笑怒骂,有坐着的,靠着的,躺着的,睡着的,直到电影院打烊这些观众才悻悻地举着自带的板凳被赶出电影院。

在和《雨果》以及《我与梦露的一周》共同烘托的一片怀旧气氛中,《艺术家》不出意外的拿到了奥斯卡主要奖项。与前两者致敬和记述往事不同,《艺术家》直接以默片的形式力图将观众带入1920年代中。对于爱电影、了解默片的人来说,这种形式更加有冲击力,也更加讨巧,但若有闪失就会被口诛笔伐。

这是一部黑白默片,我从前一直拒绝观看黑白电影更别提默片了,原因其实我自己非常清楚,就是心很浮躁。很多时候我知道面前有一堆好的电影等着我去看,但我总是不愿意抽出时间去观赏,因为心漂浮在空中没有着落,因为根本没做好认真欣赏一部片子的准备,因为对自己能否集中注意力抱有怀疑。
       所以在刚开始看的时候我担心自己会不会感到无聊无法等到剧情吸引我的地方。但是完全白担心了。正如老师所说,这是一部不会让你觉得枯燥的电影。它真的做到了。教室里为了电影效果一片漆黑,但我还是没忍住记下了自己当时的一些关注点。我要一一地讲述它们。
       首先让我感到有趣的,是电影完全用音乐来代替台词。在影片的开始,是一部电影,然后慢慢镜头拉伸,回到观看这部电影的电影院,那时候还是无声电影,观众靠前台的交响乐队来享受电影。然而奇妙的是,在荧幕前的我们,正是电影中那些看电影的观众,我们和他们一样,听不到台词,只看到表情,只听到交响音乐。而有趣的是,音乐的节奏和旋律变化和情节是配套的,在男主角那里,是音乐在配合着情节,每当场景变得尴尬,音乐就会骤停。而在女主角那里,则是她的动作在配合着音乐,怪异而快速的步伐和表情变换,令人感到好笑,却又真切地表达出了女主角的烂漫可爱。电影的音乐随着剧情、人物心情和动作节奏在不断地变化。
       然后就到了最让我感到震撼的地方。那就是当男主角看到了有声电影以后,回家做了一个噩梦。那确实是他的噩梦。在梦里一切似乎都有了声音,杯子、瓶瓶罐罐、椅子、脚步声、风声、巨大的嘲笑声,以及最后那一片羽毛落地时巨大的轰隆声。只有他自己,无论如何都无法发出声音,他对着镜子呐喊,却只能听到外界的声音,而他永远是一个无声的个体。这个片段令我感到震撼,是因为导演竟然巧妙地隐藏了男主角的处境,直到一个杯子发出了声音才让观众意识到,不仅是荧幕前的我们,男主角自己也活在一个无声电影的世界里,他的世界没有声音。所以当有声电影出现,无疑是对他世界的一个巨大的冲击,这是难以接受难以理解的。这种无声是一种巨大的意象概念。从职业上说,男主角坚持默剧更能体现演技,观众不需要听他说什么,只需要看他演什么。从心理上说,他是无声电影世界里的王者,是唯一的不可替代的明星,他的骄傲和自尊决不允许他做出背叛自己领地的事情。这才是最根本的原因。这种电影与人生的声音模式的对应让我感到一种深切地浸入感、体验感。
       第三点令我注意到的,是一个画面构图。当男主角从电影公司办公室失意地出来正好碰到来公司的女主角时,他们站在楼梯上交流。一开始镜头拍到男主角走下楼梯,女主角走上楼梯,镜头没有跟着男主角移动,而是随着女主角停住了,然后男主角才又慢慢出现在镜头下方。在他们聊天的时候,摄像机拉了一个全景,我看到了整个楼梯倾斜着,男主角站在下面的台阶,而女主角处于对称的上面的台阶。这正是导演要明确告诉我们的事情,表明了两人的未来和现在的地位早已发生了对调。另外还有一个镜头也十分巧妙,就是男主角一切都失败的时候,在他和桌面之间导演用了旋转的镜头,让观众几次分不清究竟是真人还是镜像,这种拍摄方式,正好体现出了男主角内心的纠结和混乱。
       在这部电影里,虽然画面是黑白的,但是却并不缺乏一些奇幻的画面和意象。那些代表男主纠结内心的小人是,突然出现的嘲笑着的女郎也是,最最奇幻的还是男主角在自家的荧幕前突然发现了自己影子的背叛,并失去了自己的投影。那是他过去的电影辉煌人生的逝去,是他骄傲的资本的逝去,是他生命的一部分的丢失。他终于感到疯狂的崩溃,他要和自己的过去彻底诀别,他烧掉了自己从前的电影胶片,甚至烧掉了自己的房子,差一点也烧掉了自己的生命。是他的狗救了他。从头至尾,只有他的狗和他形影不离,某种程度上来说,他的狗也是他的一部分,或者说,是那个清醒理智的他。
       男主的声音模式即使在他火场逃生之后仍然没有丝毫妥协,他仍生活在默剧里,音乐仍代替着所有的语言。但是我发现一个有趣的事情,那就是当女主在片场威胁投资方,造成整个剧组的人都十分尴尬时,画面定格着,场景在凝滞,但是音乐却没有像之前男主造成尴尬时发生停顿,而是继续在流淌,所以我在想,是否是因为,这种声音模式是属于男主的,他的人生在驾驭着这种无声电影的音乐模式,而这种模式却并不属于出演有声电影的女主角。
       到了最后,镜头有一个大特写,一个人不断因说话发声而扇动的双唇,终于令男主角崩溃了,他回到破败的家里,拿出了一把手枪。最后peng的一声,是女主角的车子撞在了树上的声音代替了枪响,令全场失笑,惊而有幸,他们都没事,他们最终还是在一起了。
       然而最让我感动的,不是男主角终于放下骄傲接受了女主角的帮助,而是男主角最终还是没有向有声电影妥协,他找到了出路——舞蹈电影。他最终还是保留住了他的尊严,保住了他的骄傲,不是妥协和献媚,而是转变方向。电影的最后,男主角终于听到了别人说话的声音,终于发出了自己的声音,那洪亮有磁性的声音,是他尊严的声音,是他终于战胜生活的逆境找到自己的声音。
       另外这部电影中还有很多让我让我感动的细节。第一个是女主角小有名气时唇边的那颗痣,她永远记得男主角,记得他是那么地温柔,那颗痣是他和她之间的秘密。第二个是女主角在更衣室里,把手穿进男主角的西服假装他在抚摸自己。我记得自己之前看过一个小品就是以此为包袱,但此时在电影里看来,却让我觉得无比动容,她是一个那么热情那么可爱的女人,她对男主角的迷恋毫不掩藏,必然是很热烈的倾慕才能让一个女人在别人看不到的地方情愿放下矜持,即使用可笑的方式也想拥有一个热烈宽厚的怀抱。第三则是男主角从火灾中拼命救出的那卷胶片,那是男女主角第一次拍戏时的胶片。女主角看到十分感动,也许她认为那是爱情,是他在乎她的证明,但在我看来,有多少爱情在里面尚且不好说,但必然是有,因为男主角看着她的眼神和笑容早就出卖了他,在他自己走下坡路的时候还能对她的成功发出由衷的笑容这已经是爱的表现了。但是,在那盘胶片里装着的更多的,是男主角的自尊,那是在女主角还根本没人认识的时候,那是他风头正旺的时候,那是证明是他最先发掘提拔她的录像,是他在此时的困窘中能保有的唯一的尊严。
       男主角的固执守旧给了我一个思考的角度,究竟电影应不应该有对话?有声电影真的是一种进步吗?电影作为一种艺术形式究竟应该是怎样的存在方式呢?

    还有《雨果》里的一组镜头。20世纪初第一次接触电影的观众,诧异屏幕居然上投影出了各种各样神奇的物体,电影里一个火车轰隆进站的镜头,把观众吓得退避四散。

网上果然有许多被往日情怀感染的赞许声,也有许多技术流的质疑声。质疑主要集中在镜头和剪辑上。对默片非常熟悉的人,对镜头和剪辑的考究是可以理解的,因为这些是他们对默片的定义的一部分。而我这样相对初级的观众对20世纪初的默片应有的镜头和剪辑并不敏感,评判这样一部电影更多的还是看是否提起了一股怀旧情怀。事实上这部默片的讲的是关于有声电影的故事,而不是当年默片常用的剧情。用默片来讲有声电影和默片的冲突,固然是一种讨巧的做法,但这种“矛盾”其实也阐明了本片不是要刻板的还原一部1920年代的电影,而是要以默片为外壳来缅怀和致敬那个时代。简而言之,怀旧而不守旧。

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    因此,心里有一部分总是在向往过去的人们所拥有的电影以及其所带来观影感受。那时候没有商业片,没有特技,没有3D技术,甚至没有彩色图像,没有声音,只有纯粹的电影。

如果认可这一点,那么不仅复古的片头字幕给力,这些现代的摄影和剪辑技术也应该给电影加分。因为它们让电影更紧凑流畅,更加符合现代观众的观影习惯,帮助更多的观众一起感受到了怀旧情怀。要知道当年的默片在今天看来多数是拖沓无比单调乏味的。

   只是我没有想到——在这样一个电影技术日新月异的时代,有天在看过了太多的动作片,科幻片,3D电影,甚至是有喷水扇风震动座椅的4D5D电影后,还可以在影院遇到这样一部黑白默片。

尽管不是要仿制一部老电影,但还是要展开那个时代的画卷。默片演员不能说话,只能把情感和思想通过手势、动作、面部表情和肢体语言来外化。男主角以及各大配角乃至群众演员都做到了这种略带夸张又彰显单纯的时代风范。这种风范比较难描述,但想想男主角有时露出的类似于克拉克·盖博的笑容,虽然克拉克·盖博比他还要晚一个时代,但你应该能理解现在的荧幕上也是不会有这种笑容了。在我看来最大的败笔是女主角,基本上没有默片演员的肢体感,她的举手投足都是1980年代以后的,而且还是演技较烂的那一种,无时不刻的提醒我这一片怀旧气息中有个穿越女。片尾的舞蹈显然是想唤起金·凯利或弗雷德·阿斯泰尔的遗风,但可惜两位主角的舞技略为欠佳。

 

由于默片形式的信息量所限,加上避免额外的内容破坏时代感,本片的剧情还是相对简单的。主题便是是声音。有声电影的诞生对身为默片明星的乔治·瓦伦丁(男主角)的冲击,乔治的妻子也以乔治不肯与她说话为由决裂,再扣上本片默片形式但又不拘泥于此的方法,在乔治的噩梦一段果断停止配乐启用声音,用足了声音的冲击力。也许今天我们不容易理解有声电影对默片明星的冲击,但我想这毫不亚于数码相机对柯达胶卷的影响。当年这确实摧毁了不少表演风格化夸张的默片明星,有声片带来的写实风潮使他们表演夸张得近乎喜剧意味。但本片要说的应该也在电影圈内为止了,并无多少附带的社会性暗示和价值观。今年的奥斯卡的视点留给了电影圈自己。

    独自走进影厅,进门的时候检票的小哥怪声怪调地问“为什么会想要看艺术家咧”。即使清楚自己着实想体验一直向往的在影院里观赏默片的感觉,但这么说那惨了,我想搞不好我就会睡着在影院里的,嗯。

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    Jean Dujardin的表演一开始就显得很讨巧,女主角的现代感却让把观众不得不把拉回自己所处时代,紧接着镜头,构图、机位、角度、用光、节奏也力道欠佳将复古默片制作得半生不熟,尤如吃着一碗夹生的米饭。只是我真的没有睡着,而是还就着这碗夹生的米饭下了不少菜——笑了,哭了。

    电影里的尾随乔治·瓦伦丁的小狗,擅长装死,模仿,还有女主角大大咧咧的个性,她的劣拙她的魅力都赚足了笑声。

    过气的默剧演员,银幕前挤眉弄眼讨喜观众,但生活中的他有着过人的骄傲与自尊。他无法放下默剧,固执坚持电影本不需要声音,无法接受有声电影入侵的现实。即使市场将其淘汰,当一切光环退去在最落魄后一直保持要努力保持乐观而体面地生活,变卖家产,甚至将自己的画像拍卖那一刻格外心酸。但乔治·瓦伦丁脸上是依然是喜剧演员的轻松神情,但这一刻我只知道这个男人一定会崩溃,爆发。

    终于,一天在街道上,他看到一家高级的西服店,身无分文的他面对面对橱窗借着玻璃的光影欣赏若是自己穿上这件西服后的英姿,陶醉间,被警察阻止遭到了不住的谩骂。镜头中这张嘴越来越近越来越大,一张永不合上的大嘴满发的言辞压抑聒噪嘈杂,一个曾经红极一时的男人硬撑的骄傲和自尊一定在这瞬间顷刻崩塌了吧。接着他开车回家,歇斯底里烧了自己的所有作品,那一刻看着胶片在燃烧自己一个人在影院哭得不行。直到最后他掏出手枪企图结束自己的生命。

 

    剧情是简单的,遗憾的是技巧过多也无法还原默剧本身的纯粹质朴,但即使只是拥有是默片的形式,它无疑是对默片的致敬也给了现代观众一种难得的复古20世纪20年代影院观影感受。

     

    这种体验让明白的正如电影里默剧演员乔治·瓦伦丁的一段梦境:当有声电影诞生后,乔治·瓦伦丁害怕声音,当天扳动每个物品都发出了声响、碰撞声、走路声、笑声、都是一个突兀的存在,直到他绝望定睛看着一片羽毛从空中缓缓落下,却发出了雷鸣般的巨响。猛然一击。

    原来一部好电影,声音对白本是多余的。

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